Las 20 mejores películas de cine negro de todos los tiempos

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En el 20 aniversario de 'L.A. Confidential 'armamos una lista de cine negro que con suerte creará nuevos fanáticos del género, tal como lo hizo' Confidential 'para nosotros.

L.A. Confidential llegó a los cines este día en 1997. La olla de los 50 recibió una aclamación universal casi sin precedentes, y si tenías una cierta edad en ese momento, es muy probable que te presentara al cine negro.

El cine negro era un género que, al igual que el western, solía ser el estilo de película más popular para los primeros estudios cinematográficos, pero cayó en desgracia en los años 60. Al igual que los westerns, el cine negro se consideraba con frecuencia una clase de cine inferior en comparación con las amplias adaptaciones de la ficción popular épica. Y la inmensa consideración que tienen muchas de las películas más antiguas ahora, la mayor parte de eso vino más tarde a medida que la crítica cinematográfica se hizo más respetada y el cine internacional adoptó las oscuras obras de la ficción policíaca.

Jean-Luc Godard en 1960.

El cine negro en sí mismo fue un género importante para legitimar el cine como una forma de arte: el uso de sombras para el terror, la colocación seductora de miembros, miradas y la forma en que alguien fumaba un cigarrillo sustituyendo el diálogo. El Código de Producción Hayes dificultaba la transmisión del sexo, pero el cine negro lo codificó mediante el uso de personajes que funcionan fuera de la respetabilidad de la fuerza policial, pero que en cambio son contratados en privado para desentrañar misterios que las personas que contratan también quisieran mantener en privado y fuera de los expedientes policiales y de los titulares. Y esa distancia del orden social abrió narrativas para incluir a otros percibidos como inferiores: jugadores, alcohólicos, bailarines de burlesque, prostitutas y hombres y mujeres desesperados. Como tal, la femme fatale nació como contraparte del misterioso detective privado. Director de cine aclamado Jean-Luc Godard famoso comenzó su carrera como crítico de cine escribiendo para Francia Cuadernos de cine , donde con frecuencia defendió este movimiento cinematográfico posterior a la Segunda Guerra Mundial por retratar un nivel de inquietud e incredulidad que el resto del cine popular estaba evitando. Godard dijo en broma que todo lo que necesitas para hacer una película es una pistola y una chica. Y eso es en parte lo que hizo que el noir fuera tan popular en los estudios cinematográficos: era barato de hacer y podía crear una estrella de cine a partir de un actor / actriz que tenía un contrato.

La crítica cinematográfica también cambió en los años 40 y 50 para incluir un análisis más ingenioso de las películas (sugerencia: lea algunas de las críticas cinematográficas de principios de la década de 1940 del novelista James Agee cuando empezó en Hora en 1942; Agee fue muy influyente para nuestros grandes críticos estadounidenses de los años 60 en adelante, como el Cuadernos escritores, y Pauline Kael y Roger Ebert .) El propio Agee estaba entusiasmado con las películas de cine negro y pulp, y a menudo luchaba por incluirlas en Hora lo que aumentó su perfil en los círculos intelectuales y fue extremadamente formativo para elevar muchos géneros décadas después, como el horror. Agee también pasó más tarde a escribir el seminal, inspirado en el noir La noche del cazador guión que atacaba el potencial de hipocresía en la religión. Atacar las convenciones y la aceptación abierta del status quo es precisamente lo que intrigó a Agee. Eso y los ángulos de la cámara y el uso de la iluminación que transmitían mucho más que el bien contra el mal en su elevado estado de blanco y negro.

L.A. Confidential capturó perfectamente la influencia del cine negro en la propia ciudad de Los Ángeles. Desde el detective de vicio que gana dinero extra estableciendo y reventando a celebridades de nivel B hasta el editor de noticias diarias pulp que traza la caída en desgracia de las estrellas de cine, este deseo público de la vulgaridad corrió lado a lado con el lado respetable de América que estuvo representada por nuestra fuerza policial, funcionarios electos y estrellas de cine de primera. Pero todo está a la venta y todos son posibles sospechosos en L.A. Confidential porque nada es realmente respetable y eso es algo que el cine negro siempre ha hecho oler a su audiencia.

Imagen a través de Warner Brothers

Director Curtis Hanson ganó un Oscar al mejor guión adaptado por L.A. Confidential (con el que coescribió Brian Helgeland ), uno de los mayores premios Oscar del género. Y crimen. La película se basó en un extenso James Ellroy novela que fue originalmente programada para televisión antes de que Hanson obtuviera el visto bueno para hacer una película en Warner Brothers. Bajo la cuidadosa dirección de Hanson, Confidencial fue un rotundo éxito financiero y crítico, que confirmó una inmensa apuesta por parte del estudio cuando Hanson reunió a un increíble grupo de actores de carácter para un género de detectives de época que Hollywood había ignorado durante mucho tiempo. La 'estrella' más grande fue Kevin Spacey , que aún no era ampliamente conocido por el público (a pesar de haber ganado un Oscar por Los sospechosos de siempre ). La película de Hanson no solo se encargó del casting Russell Crowe y Guy Pearce en sus primeros papeles importantes en Hollywood, como detectives Bud White y Ed Exley, pero la historia de corrupción inmensamente texturizada en el LAPD, y cómo se cruzó con los encubrimientos de Hollywood y el narcotráfico mafioso, también revivió el interés latente de Hollywood en la trama laberíntica de clásicos del cine negro como El gran sueño .

La comunicación fue un tema importante en el cine negro, ya que los detectives están siguiendo palabras de personajes que los ponen en una situación para observar la verdad mientras se esconden. En L.A. Confidential era el rastro de información que varios policías encuentran pero que se necesitan unos a otros para reunirlos por completo, ya que la red de corrupción es tan grande que se extiende tanto a los departamentos de vicio como a los de homicidios.

Imagen a través de Warner Bros.

Personalmente, L.A. Confidential fue mi película cinéfila. Fue lanzado cuando tenía 15 años. Nunca había visto una historia como esa. Se estrenó en un momento en que tenía hambre de cine, pero Confidencial hizo algo asombroso por mí. Me cautivó tanto de la narración de crédito de apertura (por Danny DeVito ) sobre la promesa de Los Ángeles, antes de que Hanson revelara su feo (pero aún glamoroso) vientre, que me hizo mirar hacia atrás y ver las películas con las que los principales críticos de 1997 la compararon muy favorablemente. Primero a El gran sueño y luego a barrio chino y luego a misterios aún más meticulosamente estratificados que se establecieron en medio de sueños rotos, vasos vacíos de alcohol y complejas femme fatales. En esencia, la película de Hanson era tan rica, llena de humo y seductora que fue capaz de empujarme a Fritz Lang, Roman Polanski, Humphrey Bogart, Otto Preminger, John Huston Y la lista sigue y sigue. Qué regalo para un cinéfilo joven y floreciente.

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En honor de Confidencial convirtiéndome en una droga de entrada para mí, y para muchos otros, en su 20 aniversario, presentamos otros 19 cine negro que es necesario ver para comprender y amar mejor el género. Damas, sombreros, cigarrillos y hasta altas horas de la noche. Esta es nuestra guía para principiantes del cine negro, iniciada por el clásico moderno de L.A. Confidential . Y es una lista útil que desearíamos tener hace 20 años.

El halcón maltés (1941)

No digas que no existe un buen remake. Dashiell Hammett La clásica novela de detectives se adaptó por primera vez en 1931, pero la que todos recordamos es la versión de 1941 con Humphrey Bogart como el investigador privado hastiado Sam Spade. John Huston La adaptación definió bastante al P.I. noir, y aunque los futuros directores encontrarían formas de jugar con las reglas, la fusión de la sensibilidad de Huston con el increíble libro de Hammett dio lugar a una película que sigue siendo tan ardiente hoy como hace más de 75 años.

La trama sigue a Sam Spade (Bogart), quien comienza a investigar la muerte de su compañero, que a su vez se convierte en la búsqueda de un artefacto invaluable, el Halcón Maltés. Al igual que el Continental Op de Hammett Cosecha Roja quien comienza a enfrentarse a cada lado para lograr su propia meta, Spade entra en contacto con un elenco de coloridos personajes, todos los cuales están buscando al Halcón y harán cualquier cosa para conseguirlo.

Pero donde El halcón maltés realmente hunde sus garras en ti (si no lo ha hecho ya con sus diálogos crepitantes y actuaciones eléctricas) es el final donde vemos el código fatalista de los héroes noir. Una de las cosas que me encantan del noir es que no le temen a los finales agridulces o deprimentes. No todos obtienen lo que quieren, y dado que el Código Hayes básicamente impuso una moralidad universal a las imágenes, el noir inteligente pudo convertir este requisito en una tragedia que te deja con 'las cosas de las que están hechos los sueños'. - Matt Goldberg

La mujer de la ventana (1944)

Cuando el cine negro despegó en la década de 1940, parecía poder salirse con la suya con palabras más escandalosas, ropa de dormir más seductora y más alcoholismo porque, por lo general, los que habían obrado mal eran castigados al final. Fritz Lang empujó el sobre noir tan lejos como pudo contra el Código de Producción Hayes en La mujer de la ventana . Y cuando rechazaron su final por ser inmoral, agregó un segundo final exagerado de 30 segundos, caramba, me alegro de estar vivo (que luego se haría con seriedad en Frank De Capra Es una vida maravillosa ). A pesar de terminar en una mansión extrañamente tonal cuando se ve hoy, si la decisión final de Lang fue un 'vete a la mierda' cinematográfico a (lo que es ahora) la MPAA, entonces su película se encuentra entre las mejores películas de cine negro de la historia. Lang aumentó la tensión, dio un final oscuro y luego bailó taconeo en la junta de censura.

¿Qué es también interesante sobre La mujer de la ventana es que, en lugar de darnos otro detective cansado, Lang deja caer su antihéroe ( Edward G. Robinson ) en la academia. Robinson interpreta a un profesor que abre la película enseñando la aceptación psicológica de cuando se acuerda que el asesinato es justo (en defensa) y cuando se considera inmoral (para beneficio personal; nuevamente, distinciones del Código de Producción). Una vez que es seducido por la titular 'mujer en la ventana' ( Joan Bennett ) pronto encontrará sus teorías puestas a prueba.

Con Mujer en la ventana (que estaba en medio de cuatro películas de cine negro consecutivas del autor que dotó muchas de las técnicas visuales que prevalecerían en Hollywood en su primera película alemana de asesinos en serie, METRO ), Lang adoptó un enfoque académico del asesinato al incluir un personaje principal que, a pesar de ser un académico cotidiano, también puede ser seducido fácilmente por esas mismas travesuras pulposas de 'clase baja'. Y luego, incapaz de tener el final que quería debido al Código de Producción de Hayes, Lang filma el final más oscuro que desea y luego quita los censores al agregar el final más feliz deseado. Es discordante verlo ahora porque el final se siente tan fuera de lugar, pero si conoces las reglas del Código de producción, es fácil perdonar.

Mujer en la ventana estaba muy adelantado a su tiempo y ahora se ha pasado por alto en los cánones de los grandes noirs originales, probablemente debido a que se ha añadido al último minuto. Pero los primeros 105 minutos aún se mantienen como uno de los noirs más ingeniosos y de suspenso que jamás se haya hecho. Hasta el último minuto. Después, deberías reír. Estamos seguros de que Lang lo hizo. — Brian Formo

Laura (1944)

Mientras la Segunda Guerra Mundial avanzaba, Hollywood fue un refugio para muchos cineastas que habían puesto un sello masivo en la industria cinematográfica estadounidense (como lo demuestra la cantidad de veces que Fritz Lang aparece en esta lista después de huir de Alemania un día después de que se lo pidiera Joseph Goebbels para dirigir la máquina de películas de propaganda de la Alemania nazi; no podía declinar, así que simplemente se fue derecho y se fue). Otto Preminger fue un cineasta de Hollywood único que abandonó Austria-Hungría cuando estallaba la guerra y su carrera está salpicada de películas que defendieron a los marginados (Preminger actualizó Carmen Jones como un elenco musical totalmente negro y trabajé duro para asegurarme de que el guionista de la lista negra Dalton Trumbo fue acreditado con su nombre real en éxodo ). Y como muchos durante este período de tiempo, Preminger consiguió su mayor oportunidad en Hollywood haciendo una película de cine negro.

Laura esencialmente toma un Daphne du Maurier premisa: un detective ( Dana Andrews ) está trabajando en un caso de asesinato y termina enamorándose de la mujer muerta que está investigando, y reconoce una limitación que el cine negro siempre tendrá: que sus mujeres son meros lienzos sobre los que los hombres pueden proyectar sus deseos. Gene Tierney es una belleza deslumbrante y, por lo tanto, para el negro, su muerte es trágica y esa tragedia se vuelve devoradora para un detective, ¿cómo podría un ángel caído tan envuelto en tal engaño? ¿Podría el hombre adecuado haberla salvado antes de su destino prematuro?

Laura es una elegante novela policíaca que tiene un pensamiento inmensamente avanzado sobre el género y la vacuidad del género en sus etapas iniciales. Y nuevamente, un visualista extremadamente capaz, Preminger muestra una inmensa fluidez con la cámara y cómo el género puede empujar al medio a reinos de ensueño completamente nuevos a través de cacerolas, plataformas rodantes y push-ins. — Brian Formo

Indemnización doble (1944)

Doble indemnización es un reloj increíblemente divertido, especialmente si, como yo, viste por primera vez una estrella Fred MacMurray en lo sano Mis tres hijos en Nick at Nite. Él interpreta a un personaje muy diferente aquí con el director Billy Wilder adaptando John M. Cain novela (con una ayuda de diálogo de Raymond Chandler ) sobre una mujer que se asocia con un vendedor de seguros para asesinar a su esposo con el fin de cobrar mucho de su póliza (la cláusula de 'doble indemnización' es si su esposo muere en muerte accidental).

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La película funciona de manera brillante en muchos niveles diferentes. Primero, tiene un dispositivo de encuadre crackerjack con el vendedor de MacMurray, Walter Neff, sangrando en su propia oficina, grabando una confesión al ajustador de la agencia, Barton Keyes ( Edward G. Robinson ). En los primeros cinco minutos, sabemos que todo salió terriblemente mal para Neff, y ahora nos dirá cómo. A partir de ahí, vemos a un protagonista clásico del cine negro: un tipo hastiado y cínico, pero que acaba siendo engañado de todos modos.

Y entonces Barbara Stanwyck entra en escena como la infame, seductora y clásica femme fatale Phyllis Dietrichson, y la película se lanza a las carreras mientras la química entre MacMurray y Stanwyck arde, pero todo está cimentado con el trasfondo de nosotros sabiendo que o se salen con la suya y ellos han hecho algo horrible, o no se salen con la suya, y les pasa algo horrible. Doble indemnización disfruta de la duplicidad y el cinismo de sus personajes, y la convierte en una de las mejores películas de Wilder, que, mirando su filmografía, está diciendo algo. - Matt Goldberg

Calle escarlata (1945)

Fritz Lang 's Calle escarlata es un circo de tontos que son engañados para que hagan cosas extravagantes, todo debido a suposiciones. Es una especie de secuela espiritual de La mujer de la ventana en que tres jugadores principales son los mismos: Edward G. Robinson, Joan Bennett, y Y duryea . Robinson es un hombre que ha sido castrado por su matrimonio de estilo victoriano. Cuando rescata a una hermosa joven de un ataque (Bennett), siente un aumento en su libido. Sin embargo, nunca puede recuperar ese sentimiento de ser un hombre porque la joven y su (probable) cohorte de proxenetas comienzan a querer cosas de él porque creen que es rico. En realidad, su esposa tiene todo el dinero y sus cuadros son sólo una diversión secundaria; aunque sus pinturas son para él mismo, su esposa mayor todavía lo castra al usar un delantal con volantes como delantal. Su impulso de salvar a la joven provino de la conciencia humana natural separada de los deberes percibidos de su género de proporcionar seguridad y estimular. Una vez que se da cuenta de que es capaz de ser un hombre, comete un error en cada intento de recuperar esa postura masculina que la mujer más joven está tratando de manipular, volviéndose impotente. No hace falta decir que el chantaje de la crisis de la mediana edad no sale según lo planeado.

Calle escarlata no es una comedia, pero se siente como una sátira de la pulpa. Lang agrega una inmensa trama para enfatizar las ridículas expectativas de un hombre común dentro de este género. — Brian Formo

El gran sueño (1946)

Han pasado casi 20 años desde la primera vez que vi El gran sueño (Probablemente vendí mi bicicleta a la tienda de videos el día después de ver L.A. Confidential , para lo cual se comparó originalmente la inmensa trama del engaño). La trama sigue siendo un zigzag aplastante que probablemente inspiró a los hermanos Coen a incluir la línea en El gran Lebowski (“Me encanta tu estilo: jugar de un lado contra el otro, en la cama con todo el mundo”). Humphrey Bogart Philip Marlowe no puede apoyarse en su caso. La hija menor de un hombre rico intenta sentarse en su regazo mientras él está de pie, la hija mayor ( Lauren Bacall ) es un interés amoroso de los juegos de azar, y su cohorte de vigilancia en la librería cierra la tienda por un poco de pañuelo fuera de la pantalla.

Es más fácil centrarse en el sexo de El gran sueño porque la trama parece existir simplemente como un sueño febril entre los diversos acoplamientos. Me encanta eso Howard Hawks y compañía. abandonó escenas de explicación adicional a favor de escenas de coqueteo de Bogart y Bacall. ¡Dale a la gente lo que quiere! ¡Sentado en el regazo estando de pie! También me encantó el Dorothy Malone escena de la librería porque sabe cómo silbar bien (el 'hola' de Bogart es la droga de entrada para su actuación ganadora del Oscar en Escrito en el viento ).

Es imperativo hacer una doble función de El gran sueño con El largo adiós , Robert Altman La respuesta a este y a todo el cine negro de los 40 que presenta a Marlowe. Philip Marlowe finalmente se va a la cama y se despierta durante un sueño de tres décadas con los vecinos de chicas desnudas que se bañan y le piden que recoja una mezcla de brownie para su olla. Hawks protege a la audiencia del Código Hayes de los años 40 del uso descarado de palabras que revelarían los puntos obvios de la pornografía y la trama de drogas en El gran sueño y el Marlowe de los 70 simplemente se despierta junto a él en una pantalla llena de risitas en El largo adiós . — Brian Formo

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Del pasado (1947)

Robert Mitchum y Kirk Douglas ¡Estrella en la Batalla del Film Noir Chin Dimple! Mitchum interpreta al ex-rudo de la mafia que se reinventó a sí mismo como dueño de una gasolinera después de que el mafioso de Douglas le haga seguir a una mujer de la que se enamora.

La mayoría del cine negro comienza desde el principio y sigue un caso a medida que las paredes comienzan a cerrarse, pero Fuera del pasado cuenta la historia de un caso anterior que cerró las paredes en Mitchum y retoma cuando vuelve a perseguirlo. Me encanta que este noir sea esencialmente Mitchum intentando resistir a la femme fatale ( Jane Greer ) porque ella es realmente fatal (a diferencia de otras mujeres que los hombres intentan salvar en este género o mujeres que conspiran pero nunca usan la violencia, Greer es la persona más violenta de la película).

Cuando retomamos con Mitchum en su nueva vida menos sombría, él solo está tratando de establecerse y pescar con la chica de al lado. Sin embargo, el pasado regresa y es sombrío como el infierno. Agregue una gran escena de apertura en una estación de servicio / café, algunas vistas de las montañas, un brillo en las pestañas de oruga de Mitchum mientras su corazón se manipula nuevamente y tiene un noir atípico que todavía encaja en algunas grandes peleas a puñetazos y escondites en México.

Para los fanáticos del terror, Fuera del pasado debería ser de interés adicional porque muestra lo que Jacques Tourneur ( Gente Gato ) podría hacer fuera de su trabajo de terror RKO. Las sombras de Tourneur permanecen, pero el significado es mucho más humano y lleno de pesar. — Brian Formo

Montar el caballo rosa (1947)

No estoy seguro si Montar el caballo rosa es genial para un novato del noir, pero para los fanáticos del noir es infinitamente fascinante. Noir en sí mismo es con frecuencia una crítica del capitalismo urbano y de lo que la gente hace por dinero, particularmente después de la Segunda Guerra Mundial, cuando más personas parecen tenerlo en Estados Unidos, lo que hace que quienes no se sientan aún más desesperados. Las ciudades fronterizas son escenarios noir frecuentes por razones obvias de cruzar allí otorga inmunidad mágica, pero ser atrapado allí es una situación separada. Pero en El Caballo Rosa los mexicanos no son personajes de fondo de salón, pero son partes importantes de la historia.

Lucky (director y estrella Robert Montgomery ) está pensando tontamente que está mostrando lealtad a su amigo muerto al chantajear a su asesino, pero eso solo le da dinero a Lucky de manera egoísta y usa a su amigo. Es lo opuesto a la lealtad. Cuando Pancho (nominado al Oscar Thomas Gomez ) muestra lealtad a Lucky al recibir una paliza en lugar de hablar, Lucky ofrece darle un porcentaje del dinero. Su humanidad y capacidad para mostrar gratitud están ligadas al dinero. Hay un gran monólogo de 'pequeños alevines' del mafioso toba, en el que se burla de Lucky por no pedir más dinero, lo que resalta el desdén estadounidense por aquellos que no venden más. Es la inmersión de Lucky con los lugareños lo que lo hace más humano porque le muestran humanidad sin cobrar por ello (¡a menos que sean bebidas en el bar, claro!). — Brian Formo

El tercer hombre (1949)

Carol Reed La obra maestra utilizó la técnica expresionista del 'ángulo holandés' para hacer referencia a lo desorientado que era un estadounidense ( Joseph Algodón ) se siente en el extranjero en este misterio posterior a la Segunda Guerra Mundial pero anterior a la Guerra Fría. Supuestamente, director de fotografía Robert Krasker en broma, le dio a Reed un nivel después de filmar tantas escenas con títulos. La Academia le dio a Krasker un Oscar y Krasker agradeció a Reed.

El tercer hombre es la mejor exportación de cine negro, ambientada en Viena y realizada por el Reino Unido. Steven Soderbergh descaradamente declaró: 'Una de las cosas asombrosas de El tercer hombre es que realmente es una gran película, a pesar de toda la gente que dice que es una gran película '. Va a las alcantarillas por un pre Vértigo persecución y, aunque tiene elementos de espionaje, tiene el final noir: nada sale según lo planeado. Especialmente conseguir a la chica.

Aunque es de Harry Lime ( Orson Welles ) persecución que es más famosa, el plano final es uno de los mejores finales de todo el cine; en una toma estática, una mujer pasa silenciosamente al lado del hombre que la ha mantenido en el engaño; voluntariamente eligiendo cerrar un capítulo en su vida. El fin. — Brian Formo

Viven de noche (1949)

Nicholas Ray es recordado con más cariño por Rebelde sin causa (y con menos cariño por seducir a una de sus jóvenes estrellas, Sal Mineo ). Así que no sorprende que el mejor adolescente negro viniera de Ray en su debut cinematográfico, Viven de noche .

La mayoría del cine negro se estableció en Los Ángeles debido a la presencia de la industria cinematográfica, pero también para vender la Ciudad de los Ángeles sin ser angelical (ver Los Ángeles juega solo ). Pero hay muchos grandes noirs rurales sobre personas que intentan escapar de su pasado. Viven de noche es un noir texano somnoliento que sigue a una pareja joven ( Farley Granger y Cathy O'Donnell ) que están huyendo de su pasado. El joven fue encarcelado a los 16 años por matar al asesino de su padre y se escapa de la cárcel con unos ladrones de bancos. Se une a ellos en su ola de crímenes debido a su lealtad juvenil que siente que les debe por la fuga, pero haber sido encarcelado tan joven lo ha condenado a una vida de tiempos difíciles, independientemente de la ruta que tome.

Godard, el coro griego de campeones del cine negro, dijo que 'el cine es Nicholas Ray'. Y la primera película de Ray es un corazón hinchado. Estos niños toman malas decisiones, pero no es algo innato, hay una pausa y la conciencia de su maldad, pero no saben qué más hacer aparte de tratar de llegar al día siguiente juntos. Esta es cada canción de Bruce Springsteen para parejas 'nacida para perder', interpretada en el cine en blanco y negro. — Brian Formo

Noche y ciudad (1950)

Si bien puede que no sea un negro de 'gran nombre', La noche y la ciudad es uno de mis favoritos del género. Después de alquilar la película, salí inmediatamente y traje el Criterion porque es así de bueno. Es una de las obras más desagradables que el género tiene para ofrecer, casi sin personajes redentores, y sin embargo, todos son instantáneamente convincentes y quieres ver el oscuro desastre que harán juntos.

La historia sigue a Harry Fabian ( Richard Widmark en su momento más delgado), un estafador y estafador que quiere establecer una empresa de lucha libre en Londres sin la interferencia del organizador local, Kristo (el siempre brillante Herbert Lom ). Pero donde la película realmente cobra vida es en la relación de Fabián con Mary ( Gene Tierney ), el único personaje redentor de la película, y luego cuando tiene que huir después de que Kristo pone una recompensa por su cabeza.

Jules Dassin Es un director sobresaliente que te atrapa absolutamente, y realmente juega con el uso de la luz y la sombra, que es una de las firmas del género. Convierte Londres en un infierno de pesadilla para el desesperado Fabián, y aunque nunca estamos exactamente arraigados por el estafador chillón, nos vemos arrastrados a su situación de pánico de todos modos. - Matt Goldberg

Sunset Boulevard (1950)

No puedes mirar al noir sin mirar Sunset Boulevard . Billy Wilder , una vez más definiendo el género, utiliza las convenciones del género para contar una historia de Hollywood, ya que si bien el noir suele ser el dominio de los detectives y los gánsteres, funciona igual de bien para contar la trágica historia del estrellato desvanecido.

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La película comienza con un comienzo aún más sombrío que Double Indemnity como protagonista Joe Gillis ( William Holden ) flota muerto en una piscina y luego, a través de la narración, cuenta cómo llegó allí. Todo comienza con él siendo un guionista con dificultades que no puede atrapar y romper, y luego termina en el empleo de la ex estrella del cine mudo Norma Desmond ( Gloria Swanson ). Su relación toma algunos giros profundamente retorcidos y Norma se vuelve más posesiva y dominante y Joe, incapaz de encontrar una salida, se retuerce alrededor de su dedo pero desesperado por escapar.

Hay tantas cosas brillantes en Sunset Boulevard , no solo en los tropos estándar del noir sobre ambiciones fallidas y figuras trágicas, sino también específicamente en lo que respecta a Hollywood y cómo trata a las actrices mayores, la desesperación por permanecer en el centro de atención y las burbujas herméticamente selladas que alejan la realidad. Es una película que realmente lo tiene todo, incluida una piscina. - Matt Goldberg

El merodeador (1951)

Joseph Losey ( La Servant) podría haber liderado una revolución cinematográfica a horcajadas Nicholas Ray en Hollywood si no hubiera sido incluido en la lista negra. Guionista Dalton Trumbo también fue incluido en la lista negra después de esta película, lo que El merodeador uno de los recordatorios más importantes de lo tonto que era el macartismo y de cómo robó a la industria algunos grandes cineastas. Losey se fue al Reino Unido a trabajar y nunca regresó a los EE. UU. Y el punto sin retorno, para no ser presionado y volver con su abusador, es apropiado para ambos. El merodeador , noir en general, y la respuesta de Losey a Hollywood.

El merodeador es noir, pero tiene elementos de terror. Puedes ver la influencia de usar la cámara como un mirón que llegaría a influir Psicópata y mirón casi una década después. Pero hay un horror adicional en la doble posesividad de dos hombres. Uno que escuchamos en la radio cuando el disc jockey exige a su esposa ( Evelyn Keyes ) escucharlo y no salir porque no confía en ella. De manera espeluznante, cierra sus transmisiones con la línea: 'Te veré, Susan'. Cuando la espían en la ducha, llama a la policía y a uno de los policías que respondieron ( Van Heflin ) comienza a visitarla ya que conoce su horario. El tiempo de Susan no es suyo, lo pasa escondiéndose de su esposo con otro hombre que se divierte con la confiabilidad de su soledad y está atrapada porque su esposo le preguntará sobre la transmisión (y no sobre su día, ¿qué hay que preguntar?) .

Cuando el oficial Garland (Heflin) decide montar un escenario de mirón cuando su marido está en casa, es un nuevo intento de hacerse con el control total de Susan despidiendo a su marido. En Susan tenemos las primeras huellas dactilares del horror de la invasión de viviendas. Y en el oficial Garland, hay un poco de paranoia que se infiltra en las películas de la Guerra Fría, el miedo a ser un chivo expiatorio / descubierto a pesar de ser 'no peor que los demás'; todos engañan al sistema, pero necesitan que una persona cargue con todos los demás pecados. Y los maníacos llevan aún más lejos esas excusas de 'todos los demás'. La conversación sobre su fallida carrera / educación universitaria en el baloncesto es clave aquí, ya que Estados Unidos comenzó a educar a clases que nunca habían recibido un título universitario, el traspaso de Garland con su entrenador lo saca del sistema del New Deal y lo impulsa al miedo a quedarse atrás. recorte del New Deal.

Este comienzo furtivo es anterior a la fecha La ventana trasera , Psicópata y mirón , pero es un McGuffin clásico. La enredadera no es el merodeador que nos da el punto de vista de Susan duchándose, sino el hombre que conoce el horario de una mujer solitaria y puede manipularlo a su favor. — Brian Formo

El gran calor (1953)

Fritz Lang La última obra maestra también fue la más furiosa. El gran calor es una película de caza y olfateo de sabuesos. Sigue a un policía ( Glenn Ford ) cuya esposa fue asesinada y no reúne muchas pruebas, sino que reúne todas sus suposiciones en un puño y ataca a todos. Este es un precursor fabuloso de Punto en blanco y no solo porque Lee Marvin está aquí arrojando una taza de café a la taza de una mujer; es un fuego ardiente con un diálogo de escupitajo profundamente cortante.

En muchos sentidos, se podría decir que el cine negro se estaba moviendo hacia esto, poniendo a prueba su conciencia para perseguir estas emociones. El gran calor es un completo de-pantser ya que la policía y la mafia se entrelazan y nuestro pícaro ejecutor es tan despiadado como aquellos a los que busca. Noir ya se centró en los antihéroes, pero El gran calor podría ser nuestro primer neo-antihéroe que se convertiría en algo común en las películas de explotación de los sesenta y setenta. — Brian Formo

Bésame mortal (1955)

Si los mejores del cine negro son un reflejo grotesco de nuestras ansiedades, Robert Aldrich 's Bésame mortal es la película más tóxica de la década de 1950 jamás realizada. Mucho antes Pulp Fiction El brillante maletín del 666, Mortal tomó El halcón maltés McGuffin al borde de la aniquilación con una maleta que está demasiado caliente para tocar porque muy bien podría contener los ingredientes de una bomba atómica.

La película comienza con una mujer frenética ( Cloris Leachman ) que está en una carretera remota con una gabardina y nada debajo y cuenta la historia de un complot masivo de salud mental en el automóvil del detective zalamero ( Ralph Meeker ) que la recoge del costado de la carretera. Cuando ella es torturada hasta la muerte mientras él está inconsciente, el detective se embarca para descubrir la verdad del 'gran qué es'. Bésame mortal es esencialmente el Hombre repo de los 50, totalmente en sintonía con la desconfianza de quienes se supone que nos protegen pero que también podrían matarnos a todos. El poder de proteger y el poder de destruir son los mismos en la cosmovisión negra de Aldrich. — Brian Formo

Toque del mal (1958)

Orson Welles abrió Toque del mal con la toma más elaboradamente compleja de la época. Russell Metty La cámara se mueve de un primer plano a una bomba de relojería y luego es levantada lentamente por una grúa que localiza Charlton Heston mientras deambula por una calle mexicana, se pierde entre la multitud y la infraestructura y luego emerge de nuevo para besarse Janet Leigh al mismo tiempo se produce una explosión. El movimiento de la grúa es elegante y el diseño de producción es impecable, pero la magia de la toma se intensifica mostrando la bomba primero porque inconscientemente obliga a la audiencia a seguir y encontrar a Heston una vez que está establecido después de ver la bomba. Cuando lo encontramos en su automóvil con Leigh, el disparo de la grúa sigue de manera impresionante durante un largo período y desciende sin problemas al nivel del suelo cuando los tortolitos se detienen en la ciudad. También hay algo de voyerista en rastrearlo, existe la sospecha de que Welles quiere que sientas, pero no hay pruebas. El beso, por supuesto, es la alegría de vivir en el momento exacto en que la muerte golpea de cerca.

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Toque del mal es una película impecable y muestra, al igual que el horror ahora, que el género es un terreno fértil para nuevas técnicas cinematográficas. Welles, por supuesto, hizo esto antes con la escena del carnaval del salón de los espejos en La Dama de Shanghai , pero Toque del mal es una película más completa fuera de esa famosa explosión de planos. — Brian Formo

El largo adiós (1973)

Robert Altman describió su versión de Philip Marlowe como similar a 'Rip Van Winkle'. Está destinado a tener lugar justo después de los eventos de El gran sueño , excepto Marlowe de Bogart De Verdad dormí un poco y me desperté casi 30 años después cuando Elliott Gould , que se tambalea graciosamente a través de una extraña nueva existencia.

El largo adiós comienza con una gloriosa toma de seguimiento de Marlowe cerrando los ojos, siendo despertado por su gato hambriento y yendo a la cocina a alimentarlo. El bribón mira su plato de comida y, totalmente insatisfecho, continúa maullando para hacerle saber que en realidad no está interesado en esa misma mierda de siempre (¡condimente, amigo!). Marlowe sale de su apartamento para ir al supermercado a comprar comida para gatos nueva, y se encuentra con vecinos desnudos de yoga en su balcón que también quieren una mezcla de brownie de la tienda de comestibles. Marlowe se queda dormido junto al gato y la mujer, pero atiende sus peticiones. En la tienda, no tienen la marca que le gusta a su gatito exigente y el empleado más cercano le dice a Marlowe que toda la comida para gatos sabe igual. La respuesta de Marlowe, 'No tienes un gato'. ¿La respuesta del dueño de la tienda? “¿Para qué necesito un gato? Tengo una chica.' Marlowe murmura: 'Él tiene una niña, yo tengo un gato'.

El gato es nuestra introducción a Marlowe. Lo despierta de su sueño. Altman dice que el sueño era del tipo duro noir de Chandler y el negocio del cine de antaño. Este Marlowe se despierta 30 años después, en un lugar extraño donde las bellezas descansadas son ahora bellezas desnudas de yoga que pueden ser independientes de los hombres. Donde los pájaros no dictan las cosas, los gatos sí. Y donde la gente quiere cosas menores de un detective: no, consígueme algunas fotos de un marido infiel, ¡pero consígueme un poco de mezcla de brownie y algo de comida para gatos malditamente deliciosa! El largo adiós es una deconstrucción del cine negro, actualiza todos los tropos de los 70 y mantiene esa distancia adecuada del cine negro con las normas sociales. Philip Marlowe finalmente durmió un poco y los tiempos han cambiado. Arnold Schwarzenegger está ahí! — Brian Formo

Barrio chino (1974)

barrio chino ha sido calificado por muchos como el mejor guión jamás escrito. Al igual que haría Ellroy con sus novelas, Robert Towne incluyó hechos históricos reales que el noir nunca hizo realmente para colocar su misterio en una realidad de paranoia. El guión de Towne usa las guerras del agua de Los Ángeles, una decisión controvertida de extraer agua de un valle del norte para alimentar a Los Ángeles sobre extensiones de tierra que compraron individuos ricos, todo como un terreno para crecer y sostener a Los Ángeles a horcajadas sobre el debilitamiento de las pequeñas comunidades agrícolas. quién perdería esa agua, como telón de fondo de un misterio de la década de 1940.

La verdadera guerra del agua ocurrió en 1913, pero el escenario de la década de 1940 no solo establece barrio chino Dentro del período clásico del cine negro más frecuente de Hollywood, también proporciona el escenario de un período de tiempo en el que estaba surgiendo la desconfianza hacia los funcionarios del gobierno. La guerra para poner fin a todas las guerras acababa de librarse y la promesa de Estados Unidos, y en particular de Los Ángeles, se vendía como una vista de postal insostenible. Eso es muy similar a L.A. Confidential La secuencia de créditos de apertura de 'problemas en el paraíso', donde se dijo abiertamente, pero todo es subtexto en Roman Polanski 'S película.

Como muchos grandes del cine negro, ver la película más de una vez es extremadamente gratificante. Pero barrio chino La tragedia es más personal. La primera vez que lo ve, se maravilla de Jack Nicholson La nueva versión de Humphrey Bogart papel de PI solitario. La segunda vista es devastadora debido a Faye Dunaway. Ella tiene un secreto que promueve la idea de que los ricos y poderosos son demasiado poderosos que las leyes y la decencia no se les aplican. Y esa fea verdad es el verdadero 'problema en el paraíso'. — Brian Formo

Sangre simple (1984)

La Hermanos Coen han reinventado el noir muchas veces, pero su impecable debut cinematográfico, Sangre simple , comparte más en común con el clásico negro. Tiempo Fargo implica un plan de secuestro y detectives que pueden burlarlo y El gran Lebowski es un riff del género distanciado por los fumetas (quizás más en línea con las primeras comedias criminales de El hombre delgado serie, excepto con muchas más bromas sobre el coito), Sangre simple es una deconstrucción de la configuración clásica del cine negro.

Un hombre ( Y hedaya ) contrata a un gumshoe ( M. Emmet Walsh ) para averiguar si su esposa ( Frances McDormand ) lo está engañando. Cuando eso se confirma, se supone que dicho gumshoe la matará.

La manera en que los Coen actualizan y desglosan el viejo género es haciendo de la polla privada una verdadera polla. O tal vez mejor dicho, esencialmente lo convierten en un monstruo de Universal Studios de la vieja escuela. Walsh está más allá de un antihéroe, porque no es un héroe. Es un terminador que se deleita en el caos y sale con mujeres menores de edad. Su trabajo es feo y lo hace aún más feo. Parece que por eso lo hace. Hay un asedio a McDormand que cierra la película que se siente como una película de terror pero está filmada (por un pre-director Barry Sonenfeld ) como un clásico del cine negro. Se trata de romper bombillas y cerdito, cerdito, déjame entrar. — Brian Formo

Vicio inherente (2014)

Paul Thomas Anderson ' s adaptación de Thomas Pynchon Está inmensamente tramado Vicio inherente es una postal del sol poniéndose en California. El movimiento hippie está disminuyendo, los magnates inmobiliarios están expulsando a las comunidades negras y Reagan ha cerrado todas las instituciones de salud mental, allanando el camino para que las instituciones privadas de cuidado de niños de alto nivel ocupen su lugar. Es la división de los que tienen y los que no tienen.

¿Obtuve todo esto desde la primera vez que vi Inherent Vice? No. La primera vez que lo vi, el misterio se sintió como una locomotora que finalmente se me escapó porque estaba tratando de seguirle el ritmo. Fue un efecto de contacto que desapareció. Doc ( Joaquin Phoenix ) está investigando una pista sobre un magnate inmobiliario desaparecido ( Eric Roberts ), se lo dio su ex ( Katherine Waterson ), que ahora también está desaparecido.

Muy parecido El gran sueño , hay mucha trama aquí, pero Anderson está más interesado en los momentos que existen entre la trama real: la fiesta de pizza de la banda de rock, el dentista con cocaína ( Martin corto ), y todos los modos de vida excesivos que confunden a nuestro simple investigador privado. La segunda vista se sintió como una majestuosa deriva que me llevó al mar. Sigue el consejo: deja Vicio lavarte. Warner Brothers (el mismo estudio que lanzó El gran sueño casi 70 años antes) me amará por decir esto: vea Inherent Vice dos veces. Es una película muy espléndida. — Brian Formo