Las mejores películas cyberpunk para ver en el 30 aniversario de Akira

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Desde 'The Matrix' hasta 'RoboCop', estas son las mejores películas distópicas tecnológicas de ciencia ficción del futuro cercano.

Feliz Navidad, es Akira ¡30 aniversario! Y la influyente película de anime, estrenada en los cines de EE. UU. El 25 de diciembre de 1989, tiene todo lo que necesitas para disfrutar de una alegre visualización navideña: bandas viciosas, poderes telequinéticos, la erradicación de la sociedad civilizada, niños psíquicos con rostros horriblemente envejecidos, una visión distópica de cómo la tecnología funcionará. nos consume a todos, un villano visceralmente repugnante que consume y absorbe todo a su paso, y una de las bandas sonoras de películas más aterradoras jamás compuestas. Uh ... ¿tal vez no es una vida tan maravillosa?

Akira es una obra maestra que agarra el pecho, una película explosiva que ayudó a llevar el manga y el anime a la vanguardia cultural occidental y ha influido en proyectos tan variados como parque del Sur , Cosas extrañas , y Kanye West Es 'más fuerte'. También brindó una visión amplia y entretenida del subgénero de ciencia ficción conocido como cyberpunk. Definido y explorado por primera vez por notables autores de ciencia ficción como Philip K. Dick , Harlan Ellison , y William Gibson , las obras cyberpunk tienden a presentar una sociedad distópica de un futuro cercano que, paradójicamente, está destruida y devuelta gracias a la expansión y evolución de la tecnología. Los cuerpos humanos y las aproximaciones cibernéticas se mezclan, los protagonistas con los ojos llorosos se abren camino a través de un conflicto teñido de negro, y la carne fría y de acero de la industria, desde robots hasta rascacielos, se adentra en cada faceta de la vida, todo teñido con lo iconoclasta, espíritu rebelde del punk. Suena bastante cinematográfico, ¿no?

Entonces, en honor a Akira 30 aniversario, y un mundo que se siente cada vez más cyberpunk cada minuto, estas son algunas de las mejores películas cyberpunk para que las veas, disfrutes y te convenzan aún más de que elimines todas tus cuentas de redes sociales y vivas fuera de la red.

Cazarecompensas

Imagen a través de Warner Bros.

Si le pide a su cerebro que evoque una imagen de 'cyberpunk', es probable que produzca algo parecido a la increíble estética presente en Ridley Scott 's Cazarecompensas , un clásico de culto injustamente tachado y difamado en su lanzamiento inicial, que solo ha crecido cada vez más en estatura e influencia a medida que pasan los años. Harrison Ford interpreta a Rick Deckard, un policía cansado y desgastado en el caso para encontrar un grupo de replicantes rebeldes (cyborgs), incluido el instantáneamente icónico Rutger Hauer y Daryl Hannah . Los detalles del caso, en una narrativa basada en Philip K. Dick's Los androides sueñan con ovejas eléctricas? , sentirse en deuda con el noir, desde el desempeño de Ford en Bogart-on-downers hasta Sean Young Interés amoroso ambiguamente motivado. Pero Scott, junto con DP Jordan Cronenweth y diseñador de producción Lawrence G. Paull , catapultó estos tópicos de género consagrados a un neo-futuro elegante y deprimente, todas tormentas de lluvia y rascacielos e imágenes que viven en el extraño borde entre la familiaridad y la conmoción.

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La película tiene mucho que decir sobre la ambigüedad de la identidad humana en un mundo cada vez más inhumano, desde la creencia de Young de que es humana a pesar de que es una replicante, hasta el apasionado (¡e improvisado!) Discurso de Hauer sobre sus falsos recuerdos que se desvanecen como lágrimas en el lluvia, a la timidez con la que Scott interpreta la verdad de la humanidad de su protagonista (o falta de ella). Todo esto, combinado con el ritmo paciente de la película, la hace sentir como un plato caliente de sopa de alambre, donde los límites, las etiquetas y las respuestas a las preguntas significan menos que entregarse a las tentadoras texturas de la elegante singularidad. Además: agradecimiento a su muy, muy buena secuela, la Denis Villeneuve -dirigido Blade Runner 2049 .

RoboCop (1987)

Imagen a través de Orion Pictures

¿Qué pasa si nos entregamos por completo a la tecnología? ¿Si decidimos que nos hemos cansado de nuestros cuerpos totalmente humanos y queremos ascender al reconfortante y duro recinto de un robot? ¿Estaríamos al capricho de nuestros programadores? ¿Existiríamos 'nosotros'? ¿Algún remanente de nuestras vidas pasadas estaría presente en algún lugar del enredo inherentemente no humano de códigos, cables y programas de inteligencia artificial? Paul Verhoeven Obra maestra de la década de 1980 RoboCop se sumerge en la hierba de muchas de estas preguntas y hace que su audiencia las tenga en cuenta al inculcar un componente clave, muy verhoeveniano: es entretenido AF.

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La película, sobre un policía humano ( Peter Welker ) que es brutalmente atacado por un grupo de matones (liderados por Kurtwood Smith ) y 'colocado' dentro de un RoboCop como parte del método de lucha contra el crimen de futuro de Detroit, está plagado de secuencias de acción, frases ingeniosas que agradan a la multitud y efectos sangrientos de género feliz. Pero Verhoeven utiliza todos estos como placenteros caballos de Troya para una sátira igualmente tonta / salvaje sobre la corporativización, el capitalismo, el consumismo, la militarización, los estados policiales, los horrores del avance tecnológico y las ambigüedades de las identidades humanas. El hecho de que Verhoeven consiguiera introducir una película tan crítica en un mercado saturado de hagiografías de todas las cosas. RoboCop está criticando (esto es Reagan en los 80, recuerde) mientras logra convertirlo en un éxito de taquilla que provocó una franquicia lucrativa es francamente notable (y, en el caso de la serie animada para niños que inspiró, un poco irónicamente deprimente) .

Si has visto la película 10 veces antes, échale un undécimo reloj y presta atención a lo sensible que es la representación del viaje de RoboCop a través de su pasado humano.

Tetsuo: el hombre de hierro

Imagen a través de Manga Entertainment.

Tetsuo: el hombre de hierro es un maldito reloj duro. Es una pesadilla experimental en blanco y negro que dialoga con clásicos de culto similares como Eraserhead y Engendrado . Está menos interesado en una narrativa de ciencia ficción agradable que en una exploración implacable del estado de ánimo. Y el 'estado de ánimo', cortesía del célebre cineasta de culto japonés. Shinya Tsukamoto , es 'sombrío'. La ficción cyberpunk está interesada en la mezcla de seres humanos con mejoras cibernéticas. Tetsuo: el hombre de hierro toma ese impulso y lo catapulta a sus extremos cristalizados, despojándose de todas las demás partes con el mero propósito de 'hombre más metal'. El 'hombre' de esta ecuación, interpretado con una obsesión hipnótica por el director de la película, ve los trozos de metal como objetos fetiche violentos que merecen nuestro elogio y fusión tanto como sea posible: su primera acción en la película es abrir su propia pierna y meter un trozo de metal en ella. Pero cuando un asalariado (la palabra japonesa para 'trabajador de cuello blanco') jugó por Tomorowo Taguchi comienza literalmente a brotar metal como la culminación de sus sueños violentos y fantasías que desdibujan la realidad, los dos se enfrentan de una manera implacablemente nihilista.

Tetsuo: el hombre de hierro está repleto de imágenes perturbadoras, particularmente cuando el Iron Man titular y su novia completamente humana ( Kei Fujiwara ) intenta copular a pesar de que es, ya sabes, un Iron Man. Pero no es una conmoción por la conmoción: Tsukamoto tiene muchas cosas en la cabeza y cada faceta de su sueño febril, desde los sombríos efectos de maquillaje hechos a mano hasta la sucia cámara de 16 mm, habla al servicio de su última declaración de tesis: la fusión de la tecnología y la raza humana nos destruirá a todos por completo. Así que ... asegúrate de estar de buen humor antes de ponerte este tonto.

Recuerdo total (1990)

Imagen a través de Tristar Pictures

una buena película de acción para ver

Muchas obras de ficción cyberpunk están interesadas en doblar y romper la realidad. Los personajes de estas tecno-pesadillas, tanto humanos como cyborg, se mezclan a través de timbres psicológicos y fisiológicos, donde su comprensión más fundamental de cosas como 'vida', 'memoria' y 'existencia' se empuja y aguijonea hasta que se traduce sin sentido. Recuperación total - otro banger de Paul Verhoeven - explora todo esto y más, al mismo tiempo que milagrosamente es un ultraviolento diabólicamente entretenido Arnold Schwarzenegger imagen. Basada, nuevamente, en un cuento de Philip K. Dick (el cuento “Podemos recordarlo por usted al por mayor”), la película sigue a Schwarzenegger como un trabajador de la construcción desesperado por unas vacaciones. Pero en el loco mundo de 2084, no solo se toma unas vacaciones, sino que le implantan una en el cerebro. Puede hacer lo que quiera sin moverse ni una vez, gracias al procedimiento de Rekall de trasplantar recuerdos y experiencias como si hubieran sucedido realmente. Pero cuando las cosas salen mal y Schwarzenegger se ve envuelto en una serie de travesuras de espías muy reales en Marte (!), Todas las apuestas de la realidad se van por la ventana.

Rebosante de efectos especiales prácticos y retorcidos (liderados por la superestrella Rob Bottin ), cualquier ancla a un mundo real se descarta visceralmente en favor de taxis conducidos por no humanos amistosos, criaturas extrañas que crecen fuera de la barriga, y en uno de los momentos de efectos especiales más extraños / grandes jamás comprometidos con el celuloide, el propio Schwarzenegger emerge en el disfraz cibernético de una mujer humana completamente diferente. La ficción cyberpunk a menudo está interesada en la dicotomía y el colapso eventual entre el cuerpo y el cerebro; aquí, Verhoeven se sumerge en un cerebro para golpearnos en el cuerpo, todo para mostrar que el futuro viene inherentemente golpeado.

Fantasma en el caparazón (1995)

Imagen a través de Manga Entertainment.

Si Akira era la suposición de que al público occidental le interesarían las exploraciones de anime de temas salvajes del cyberpunk, Fantasma en la concha fue la declaración. Lanzada en Japón en 1995, y luego en VHS un año después en los EE. UU., La película crepitó en la conciencia (¿o es esa ciberconciencia?) De todos los fanáticos del cine que la vieron, sirviendo como una de las más florecientes del mercado de videos domésticos. ansiosos éxitos de culto. Sin embargo, la película en sí es cualquier cosa menos 'entusiasta'. Director Mamoru Oshii (nombre verificado por acólitos cyberpunk como el Wachowskis y James Cameron ) tiene un estilo evidentemente extraño. A pesar de ser técnicamente una película de acción de ciencia ficción esbelta sobre un ciberpolicía en un caso, Fantasma en la concha es en gran medida un asunto sosegado, con muchas de las mejores escenas que se desarrollan en largas conversaciones estáticas en las que las asombrosas animaciones de Oshii no hacen mucho.

Y, sin embargo, no puedes evitar enamorarte de las reflexivas y filosóficas conversaciones de la película, salpicadas con amor sobre algunas bromas de 'policías que se conocen en una vigilancia' (en otras palabras, Fantasma en la concha estaba haciendo Verdadero detective antes de que fuera un brillo en Nic Pizzolatto Ojo). Esto no es para decir Fantasma en la concha no está interesada en la acción: cuando la Mayor Motoko Kusanagi necesita patear traseros, lo hace con destreza y aplomo asombrosos. Ghost in the Shell es un trabajo inteligente, influyente y esencial, que está mucho más interesado en las preguntas de 'quién es el Mayor' que 'qué es el Mayor resolviendo'. Como una posdata ciberpunk de imitación de la vida, Oshii finalmente lanzó Fantasma en el caparazón 2.0 en 2008. Esta versión de la película está aparentemente actualizada con animación superior y actuación de voz, pero en mi opinión, sirve inadvertidamente para mostrar que las conclusiones finales del Mayor sobre la superioridad de la tecnología sobre la humanidad podrían, en última instancia, ser mal concebidas. Lo que estoy diciendo es 'quédate con el original'.

La matriz

Imagen a través de Warner Bros.

Pastillas rojas, esquivando balas, wire-fu, la mística de Keanu. Quizás no haya una película moderna de ciencia ficción, acción o cyberpunk que haya tenido más influencia en la cultura pop moderna que la de los hermanos Wachowski. La matriz . Estrenada en el increíble año cinematográfico de 1999, La matriz es un éxito alegre hasta el día de hoy, una película que logra mezclar un billón de fuentes de filosofía, pensadores orientales, muckrakers occidentales y la cultura pop (incluidas muchas de las películas de las que se habla en esta lista) y ofrece un entretenimiento totalmente accesible y entretenido. y éxito de taquilla inteligente. Keanu Reeves interpreta a un pirata informático Neo que sabe que hay más en la vida de lo que parece, y está buscando a Morfeo ( Laurence Fishburne ) para llevarlo más abajo por la madriguera del conejo. Casualmente, Morpheus también está buscando a Neo, ya que podría ser 'El Único', una figura cibernética de Jesús que puede liberar a la humanidad de su dominio vicioso y subrepticio mediante la tecnología.

Verá, usted y yo no vivimos en 'el mundo real', vivimos en 'The Matrix', una simulación por computadora diseñada para aplacarnos mientras desagradables robots cosechan nuestros malditos cuerpos como combustible. Y como Neo, Morpheus, Trinity ( Carrie-Anne Moss , comenzando la película con una patada que se escuchó 'en todo el mundo), y el resto de la batalla de resistencia con agentes de H&M de hoy en día (liderada por Hugo Weaving ) y decodificar profecías y programas crípticos, se exploran todo tipo de teorías sobre límites en medio de escenas de acción de crackerjack.

No dejes que los idiotas de Internet que han utilizado su iconografía para fines miserables te engañen: La matriz sigue siendo ese tipo de comida poco común, rica en nutrientes pero tan deliciosa y adictiva como un caramelo. Algo así como el bistec inherentemente irreal Joe Pantoliano quiere seguir comiendo.

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existencia

Imagen a través de Miramax Films

Si no has oído hablar de existencia , es porque tuvo la desgracia de ser 'una increíble película de ciencia ficción estrenada en el mismo período de tiempo que La matriz ' (ver también: Ciudad oscura , que no es lo suficientemente ciberpunky para hacer la lista, pero sigue siendo una maldita obra maestra). Como director David Cronenberg Las intersecciones anteriores de tecnología y carne humana Videodrome y La mosca , existencia está gráficamente interesado en lo que les sucede a nuestros seres corporales pegajosos cuando los aplastamos con demasiado avance tecnológico. En otras palabras, es como si la estética en esa secuencia retorcida de Zion con todas las baterías de bebé en La matriz fue estirado (sin juego de palabras) a la longitud de la característica.

'eXistenZ' (que no se pronuncia de la forma en que piensas) es el nuevo videojuego del diseñador prodigio Jennifer Jason Leigh . Pero, como ella lo expresa, 'no es solo un juego'. En el mundo de Cronenberg de, para tomar prestada su jerga anterior, la 'nueva carne', los videojuegos se inyectan en la columna vertebral de los seres humanos, intrínsecamente mezclando las perspectivas de los usuarios felices con el juego sobre la 'realidad'. Hay un grupo de rebeldes conocidos como realistas que prometen evitar que estas compañías de videojuegos destruyan a la humanidad para siempre. ¿Cómo lo hacen? A menudo, con trozos surrealistas de armas de carne que parecen, y lo siento de antemano por asquearte, como si alguien tomara un montón de piel y huesos humanos y los obligara a adoptar 'formas de arma'. Todavía funcionan como armas, fíjate, simplemente se ven como los detritos ultra-sangrientos que podrías encontrar en los márgenes de un videojuego ultraviolento que Leigh podría diseñar. Después de que un realista intenta asesinarla con una de estas pistolas de piel, ella y el guardia de seguridad ley judía a la carrera, sumérgete más y más en el mundo de eXistenZ.

La película de Cronenberg juega un toque como una Hollywoodización de ritmo más lento de Tetsuo: el hombre de hierro , con dispositivos como las cápsulas espinales antes mencionadas, las armas de carne y los UmbyCords (facsímiles de carne blanda que los usuarios de videojuegos masajean semi-eróticamente mientras juegan) hablando de su tesis de que los seres humanos están cada vez más interesados ​​en escapar de ser humanos. Ahora que la tecnología ha superado incluso nuestra imaginación más salvaje, las fusiones resultantes serán catastróficas. Es decir, ellos haría sería catastrófico ... si no estuviéramos demasiado perdidos en nuestras nuevas realidades para ni siquiera darnos cuenta.

Potenciar

Imagen a través de Blumhouse

Nuestra entrada más reciente al canon cyberpunk, Potenciar proviene de la vívida imaginación de Sierra y Insidioso maestro Leigh Whannell . Si bien es conocido principalmente como escritor y actor, Potenciar le da a Whannell la oportunidad de flexionar algo de músculo de dirección. Y me refiero a 'músculo ...' bueno, tal vez no del todo literalmente, ya que después del tecnófobo Gray Trace ( Logan Marshall-Verde ) se le implanta un chip para salvarse de un atraco que amenaza su vida y convertirse en una máquina de matar cibernética, se siente extraño describir con precisión su destreza para luchar como 'músculo', dado que 'músculo' es, ya sabes, un 'humano ' cosa. La interpretación de Whannell de sus secuencias de lucha, sin duda el gancho físico para pasar tiempo en Potenciar - Es la ambigüedad visual personificada a la perfección. Gray no está particularmente en control de su cuerpo cuando comienza a golpear a la gente: su cerebro de computadora, expresado por el satisfactoriamente seco Simon Maiden , básicamente lo está usando como un títere de carne. Como tal, Whannell y DP Stefan Duscio mantienen su cámara inquietantemente fijada en Gray como un eje estable, lo que resulta en un curioso efecto en el que el mundo que lo rodea se mueve en una caótica anarquía mientras él permanece quieto (y, gracias al don de Marshall-Green para la comedia física, incrédulo). Potenciar De esta manera, aborda la erosión de la identidad y la independencia entre un ser humano y sus herramientas tecnológicas con una fisicalización incomparable.

Pero eso no significa que esté desacreditando su guión; muchos de Potenciar Las exploraciones más reveladoras de lo que podría deparar nuestro futuro se producen en sus momentos más lentos de descanso y conexión entre Gray y la gente que conoce (especialmente con el hacker no conforme con el género interpretado por Kai Bradley ). Para terminar, diré que el eslogan perfecto para Potenciar podría usarse como el eslogan de la ficción cyberpunk en general: “No man. No es una máquina. Más.'